오늘 소개할 전시이다. 예술의 전당이 올해 전시 컬렉션이 매우 우수하다. 베르나르 뷔페 전시도 재밌게 보고 왔는데, 뭉크 전까지 열리며 풍성한 볼거리를 제공하고 있다. 애드바르 뭉크에 대한 소개와 작품도 간단히 하기와 같이 작성하니 관심있는 분들은 평일을 노려 방문해보시길 추천드린다.
에드바르 뭉크는 재료와 기법에 대해 대담하면서도 관행을 벗어난 접근을 취했다. 젊은 시절 그는 크리스티아니아 Kristiania와 주변 지역의 소박한 풍경을 그리고 주변 환경과 사람들을 기록했다. 전통적 노르웨이 풍경화에 영감을 받은 그는 생동감 넘치고 정밀한 표현을 하고자 했으며, 이를 위해 카메라 옵스큐라와 카메라 루시다를 사용하여 작업했을 가능성이 있다. 1880년 화가로 데뷔한 그가 처음으로 그렸던 소형 유화들은 노르웨이 자연주의 화가인 프리츠 타우로프 Frits Thaulow와 크리스티안 크로그Christian Krohg의 영향을 받았다.
또한 크리스티아니아 보헤미안 예술가들의 영향을 받은 뭉크의 관심은 인간을 향했다. 1880년대 중반까지 그는 여러 작품에서 드로잉 보조 기구를 모델 가까이 가져가 그것의 실험적 잠재력을 활용하려 했다. 1888-1889년에 제작한 <아스타 칼슨>과 같은 작품에서 그는 물감의 투명성을 파격적으로 이용함으로써 자신의 스타일을 자연주의와 분명하게 구분지었다. 또 다른 작품에서는 물감을 빠른 속도로 여러 겹에 걸쳐 바른 뒤 전체를 긁어내거나 깊숙이 파내는 방식으로 작업의 물리적 흔적을 고스란히 드러내기도 했다.
1880년대 후반, 그의 작품에서 풍경은 인간의 기분과 감정을 투영하는 화면으로 변모했다. 1889년 《그물을 고치는 남자>에서 뭉크는 풍경 위에 인물을 겹쳐 놓으며 소재 간 상호 작용을 통해 외로움, 우울감과 같은 감정 상티를 표현하기 시작했다.
1889년부터 1892년까지 프랑스에 머무는 동안 뭉크는 센 강, 그리고 니스의 화려한 지중해 풍경을 다루며 인상주의와 후기 인상주의 회화 기법을 명시적으로 탐구했으며, 자연주의에 영원한 작별을 고했다. 1893년 <생클루의 밤>에서 뭉크는 실의, 슬픔, 우울한 불만 사이 우울감의 표현을 강조했다. 비록 절망에 빠져 창가에 앉아있는 인물로 덴마크 시인 에마누엘 골드스타인Emanuel Goldstein을 그렸지만, 뭉크는 이 그림을 통해 아버지의 죽음 이후의 자신의 심경을 드러낸 것처럼 보인다. 창틀은 공허한 방 바닥에 이중 십자가 그림자를 드리우고, 모자를 쓴 남자는 밤 속으로 녹아든 듯하다. 창문은 공적, 사적 또는 외부와 내부 세계 사이의 경계로, 우울한 장면의 중심 요소이며, 이러한 특징은 뭉크의 작품 <키스>(1892)에서도 찾을 수 있다. 또한 거리의 전경은 1892년 작품 <달빛 속 사이프러스>와 같다.
1890년대에는 <뱀파이어 인어>(1893-1896)를 포함한 뭉크의 첫 상징주의 작품들이 탄생한다. 이 작품들에 물감을 바르는 방식은 휘몰아치며 역동적이다. 독특한 빛의 효과는 신비로우면서도 비현실적인 분위기를 풍기는데, 이는 신비로운 요소는 늘 존재하고, 드러나며, 발견하면 할수록 설명할 수 없는 것들이 더 많아진다"는 뭉크의 견해와 완전히 일치한다. 다색 목판화 <달빛>(1896)에서 신비로운 빛의 요소는 전면에 드러난 여인의 얼굴과 배경에 있는 집의 나뭇결을 강조한다. 자연의 변형과 요소들의 의인화는 북유럽의 신비주의를 연상시킨다.
1892년부터 1895년까지 베를린에서의 시기를 지나 1896년부터 1897년까지 뭉크는 파리에 체류하며 석판화와 목판화 작업에 집중했다. 이후 수년간 그의 화풍은 점진적으로 변화했다. 이 기간은 뭉크가 회화와 사진에 대한 실험에 몰두했던 시기로, 그의 작품에 독특한 스타일 변화를 이끌어냈다. 그의 작품은 더 표현적으로 변모했고, 색채의 적용은 더 직접적이었으며, 색조는 강렬해졌다.
양면 회화 <난간 옆의 여인>과 <목소리>는 뭉크의 상징적 모티프인 <목소리>의 초기 버전을 캔버스 뒷면에 담은 그의 주요 작품 중 하나이다. 이 작품은 뭉크가 사용했던 '로스쿠어Rosskur/kil-orcure'라 불리는, 환영적인 물감 층과 화판의 물리적 완전성을 공격하고 입체적 실체로서 작품의 파괴를 계산한 혁명적 처리방식의 핵심 사례이다.
필연적으로 실패를 수반하는 이 기법을 개선하기 위한 아이디어의 변증법은 의식적인 과정이자 뭉크의 작업 과정 일부로 식별될 수 있는 이 비정통적인 방법의 기반으로도 이해할 수 있다.
특히 과정 지향적이며 시간을 강조하는 급진성은 물질 기반 모더니즘에 대한 뭉크의 초기 및 지속적 공헌을 대변한다. 이러한 초기 실험에서 그의 후기 작품들을 엿볼 수 있는데, 그 예로 뭉크는 1917년 작품<목욕하는 여인> 속 목욕 장면을 평생에 걸쳐 반복적으로 그려냈다. 사진의 이중 노출 효과를 의도적으로 실험한 듯 보이는 이 작품에는 지표적 연관성이 분명하게 드러난다. 그림 위에 또 다른 그림이 필름처럼 투명하게 겹쳐져 있는 표현 방식은 사진이 이중 노출 효과와 유사하다. 이중 노출은 물질화와 비물질화의 상호 작용을 나타내는 지표로 해석할 수 있다.
<생의 프리즈>는 에드바르 뭉크의 수많은 작품 중에서도 핵심을 이룬다. 이 시리즈는 삶의 순환과 관련하여 생식, 수정, 배아, 생명의 나무, 유년기, 청년기, 매흑, 키스, 이별, 절망, 절규, 그리고 죽음과 같은 주제들을 다루고 있으며, 이러한 주제들은 그의 작품 전반을 관통한다. 이 문제들을 탐구하면서 뭉크는 사랑, 고통, 우울, 그리고 죽음에 대해 상징적이고 강렬한 표현을 발전시켰다. 그는 이러한 주제들의 레퍼토리를 바탕으로 <생의 프리즈> 변주를 제작했는데, 이는 주제와 작품의 작업 시기에 대한 유연한 개념을 기반으로 한다.
베를린의 운터 덴 린덴Unter den Linden 전시실에서 열린 <'사랑'을 위한 연구>(1893-1894)라는 제목의 개인전은 뭉크가 이 프로젝트에 전념하기 시작한 계기가 되었다. 이 전시에는 오늘날 모더니티의 아이콘으로 여겨지는 <마돈나>, <키스>, <뱀파이어> 등의 작품이 전시되었다. 뭉크는 1902년 베를린 분리파의 다섯 번째 전시회, 그리고 1903년 라이프치히의 아트 딜러인 베이어 앤 손 갤러리에서의 개인전을 통해 <생의 프리즈> 시리즈를 선보였다. 린데 프리즈Linde frieze, 라인하르트 프리즈 Reinhardt frieze, 그리고 오슬로 대학의 교정 장식 등 뭉크에게 들어왔던 다수의 작품 의뢰는 이 프로젝트가 뭉크의 작품 세계에서 점차적으로 중요한 위치를 차지해 가고 있음을 시사한다.
이러한 상황에서 뭉크는 일생 동안 탐구한 주제들을 지속적으로 발전시켜 갔는데, <병든 아이>의 무수한 변주가 이를 대변한다. 그는 삶의 주기를 주제로 끝까지 탐구를 추구하며, 자신의 '생의 프리즈'에 매진했다. 이러한 그의 노력은 또한 절규>나 <불안>을 주제로 한 콜라주를 통해서도 엿을 수 있는데, 이 콜라주는 유색 셀로판, 종이, 또는 다양한 추상학적 관념을 대변하는 천 조각을 이용해 제작되었다. 뭉크의 <생의 프리즈>는 현대 미술의 중대한 프로젝트 중 하나로 여겨진다.
'전시관람' 카테고리의 다른 글
| [서울 종로] 국립현대미술관 나들이 | MMCA 현대차 시리즈 - 정연두 백년 여행기 (67) | 2023.12.03 |
|---|---|
| [서울 사당] 남서울 미술관 | 권진규의 영원한 집 | 공중정원 (54) | 2023.11.17 |
| [서울 종로] 물방울 연대기 | 김창열 작가 | 아트조선스페이스 | 무료 전시 (63) | 2023.10.05 |
| [서울 종로] 국제갤러리 무료전시 | 아니쉬 카푸어 | 동면한옥 (60) | 2023.09.16 |
| [서울 용산] 그리스가 로마에게 로마가 그리스에게 | 국립중앙박물관 상설전시 무료전시 (54) | 2023.08.28 |